Petit-fils de guérisseuse et fils de diplomate, le congolais Jupiter (Jean-Pierre, de son vrai nom) Bokondji a passé son enfance dans un Berlin alors coupé en deux, du côté Est. Il se frotte aux sonorités rock et funk, avant de découvrir les nombreuses musiques de son pays d’origine. La rencontre de ces influences sera encore enrichie par ses nombreux voyages et donnera un son unique à son groupe Jupiter & Okwess, qui nous livre ici un CD étonnant et détonnant. Plusieurs invités ajoutent, sur un titre ou l’autre, leurs notes à celle du maître de cérémonie, apportant çà et là un vent de Louisiane (Preservation Hall Jazz Band) ou un souffle brésilien, teinté de bossa nova (Rogê) ou de rap (Marcelo D2).

Entre 1444, première expédition portugaise en Guinée pour capturer des esclaves, et 1888, date de l’abolition officielle de l’esclavage au Brésil, JORDI SAVALL raconte quatre siècles de ce qui fut une institution établie et un commerce juteux. Comme le disait cyniquement Montesquieu : “Le sucre serait trop cher, si l’on ne faisait travailler la plante qui le produit par des esclaves“. Pour raconter cette immonde épopée, l’infatigable musicien catalan s’est entouré (entre autres pointures) de Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery, ou encore Adriana Fernandez et Kassé Mady Diabaté, ainsi que du comédien Bakary Sangaré qui ponctue le concert par la lecture de textes historiques édifiants. Par un dialogue musical entre les deux côtés de l’océan, des chants de griots africains aux chants de travail colombiens, il propose aussi une clé pour comprendre les diverses influences qui ont formé la musique sud-américaine.

Deux CDs, un DVD et un livre richement illustré et documenté forment ainsi un objet à haute valeur musicale, pédagogique et émotionnelle.

Premier disque après 30 ans d’un artiste légendaire, ce trentième volume de la collection Les Ethiopiques représente une résurrection inespérée. Girma Bèyènè, roi de l’éthio-jazz dans les années 60 et 70, avait fait défaut à son groupe Wallias Band lors d’une tournée américaine en 1981. Il était alors un des musiciens éthiopiens les plus célèbres, avec Mulatu Astatké. Vivotant aux Etats-Unis de petits boulots, il est retrouvé par le producteur de cette collection qui le convainc de remonter sur scène, pour un concert en 2008 à Addis-Abeba. Décidant de se remettre à la musique, il reprend le chemin du studio d’enregistrement pour la sortie cette année de ce disque à accueillir comme une renaissance, où sa voix septuagénaire de crooner chaleureux dessine les courbes et les rythmes de la Swinging Addis, l’Ethiopie qui jazzait.

Munie de son kantele, la chanteuse norvégienne SINIKKA LANGELAND compose des mélodies qui revisitent les mythes finnois et norvégiens, en compagnie d’un quatuor de musiciens scandinaves bien connus des amateurs de jazz (Arve Henriksen, Trygve Seim, Anders Jormin et Markku Ounaskari), ainsi que de l’ensemble vocal féminin Trio Mediaeval qui s’adonne le plus souvent à la musique ancienne.

Le résultat est d’une beauté inouïe. Les paroles évoquent la Terre-Mère, l’homme-loup, la femme-oiseau, les sacrifices, et bien sûr les arbres, piliers entre la terre et le ciel. La musique, pulsée par la section rythmique basse-batterie, puise dans les folklores des pays du Nord, revivifiés par les voix entremêlées des chanteuses, de la trompette et du saxophone. De bosquets en clairières, on erre dans cette forêt magique sans intention de retrouver son chemin.

Après une carrière avec ses frères sous l’étiquette Trio Joubran, Adnan sort son premier disque solo. Le joueur de oud ne renie rien de ce qui fait son talent, sa solide expérience d’instrumentiste, ni ses racines palestiniennes, mais il ouvre son jeu sur le monde, en particulier l’Inde, avec le tabla de Prabhu Edouard, et l’Espagne avec le flamenco et le jazz de Jorge Pardo.

“Nous sommes toujours autorisés à oser, autorisés à créer, et autorisés à rêver. Dans cet album, j’ai mis les frontières et les traditions derrière moi, avec beaucoup de respect et d’influence” explique Adnan Joubran. Son bagage à la main, il franchit donc les frontières et ses compositions aériennes prennent le large pour un très beau voyage au hasard des rencontres.

TINARIWEN, “les déserts” en langue berbère. Le nom du groupe était prémonitoire. Après un exil forcé par la guerre au Mali, c’est dans le désert californien de Joshua Tree qu’ils enregistrent leur dernier disque. Leur histoire complexe, étroitement liée aux revendications du peuple touareg, hésitant entre lutte armée et pacifisme, se découvre dans leurs chansons, par le constat amer d’un monde perdu, mais transfiguré par l’émerveillement devant la beauté de la nature. Et les mélodies hypnotiques, rythmées par les chevauchées dans les déserts, incarnent la dignité de tous les peuples nomades.

L’Estonie peut se targuer de posséder le plus grand fond mondial de musiques folkloriques anciennes. Des chants runiques païens aux cantiques populaires, ce répertoire est très peu connu en dehors de son pays d’origine. Heureusement pour nous, l’ensemble Heinavanker s’est attelé depuis bientôt vingt ans à transmettre ce répertoire, et un premier disque paru en 2007 avait déjà attiré notre attention et suscité notre enthousiasme (voir nos coups-de-cœur de cette année-là).

Portées par les voix de ces excellents chanteurs (quelle justesse !), ces mélodies semblent venir de très loin, et les arrangements de Margo Kölar, le fondateur de l’ensemble, participent pleinement à la fascination.

L’exercice était difficile. Les tentatives consistant à arranger de la musique populaire pour un orchestre symphonique ont été le plus souvent vouées à l’échec. Au mieux peut-on s’attendre généralement à un respect poli pour une écriture correctement réalisée, mais le plus souvent, la soupe est au rendez-vous.

L’heureuse surprise de ce disque vient du correct dosage entre les membres du trio de David Orlowski (clarinette, guitare et contrebasse) et l’orchestre (la Kammerakademie de Postdam), qui est ici traité ni plus ni moins comme un quatrième instrument. Jamais couvrant, en phase avec les membres du trio qui restent les maîtres du tempo, l’orchestre apporte la richesse de ses timbres et de belles textures harmoniques. Quant à la clarinette fougueuse de David Orlowski, toujours aussi expressive, elle reste l’élément central de ce disque enivrant.

Sur la Route de la Soie est un petit pays qui a su au cours des siècles laisser sa porte et ses oreilles ouvertes aux sons du monde. Au Tadjikistan, la transmission orale de maître à élève de la musique millénaire, technique autorisant à la fois le maintien des structures anciennes, mais aussi la perméabilité à une évolution, lui a ainsi permis de s’enrichir des apports de divers horizons, de la Turquie à la Chine.

Abduvali Abdurashidov, maître du sato (luth avec archet), seul ou accompagné, gratte ou pince ses cordes, nous laissant à travers les compositions savantes et les airs populaires entrevoir les splendeurs raffinées d’un Orient rêvé.

De l’Angola, son pays natal, il a hérité son intégrité, son humanisme et sa spiritualité. Du Brésil et du Portugal, où il a passé quelques années, une famille musicale (Chico Buarque, Djavan, Clara Nunes), une sensualité et la saudade de Lisbonne. Mais sa musique est universelle, tout comme ses textes, qui nous parlent d’honnêteté, de sagesse et de relations humaines par le biais d’un crépuscule, d’un arbre ou d’un oiseau, de souvenirs d’enfance. Un disque qui prend le temps de nous emmener sous des cieux protecteurs dont on a du mal à s’extirper.

Depuis 1964, Juan Cedron et son Cuarteto insuffle aux poètes qu’il aime l’âme du tango. Revendiquant l’héritage historique argentin, sa musique a grandi en parallèle de celle d’Astor Piazzolla, mais là où ce dernier approfondit une recherche principalement musicale, le Cuarteto Cedron privilégie les concordances du son et du texte, créant une oeuvre puissamment poétique, parfois politique, incroyablement belle.

Sur leur nouveau disque, le Cuarteto Cedron s’empare dans une première partie de la poésie de Miguel Angel Bustos, évocation onirique du monde de l’enfance, mêlant innocence et zones d’ombres, ambiguïté qui s’intensifie dans les chansons qui suivent, avec entre autre une berceuse pour l’enfant assassin Godino, ainsi que des figures troublantes comme celle de la belle senorita muerta.

“La musique a beaucoup trop d’importance pour qu’on la réserve aux seuls professionnels.” Robert Fulghum

Chez les Pygmées du nord-Congo, la musique fait partie de la vie dès l’enfance, et le bain est déjà l’occasion de créer des polyrythmies très élaborées, comme on peut le découvrir sur ce disque captivant. On y entendra de l’arc musical, de la flûte, des percussions, du lamellophone, mais surtout des polyphonies vocales complexes, utilisant souvent le yodel, et accompagnés ou non de la percussion des mains.

Le livret explique bien les circonstances d’exécution de ces musiques, qu’elles soient liées à une cérémonie, accompagnant une activité sociale, ou de simple divertissement. Mais outre ces considérations ethnologiques passionnantes, ce disque envoûtant peut parfaitement s’écouter d’un point de vue purement musical.

Tarentelles, danses ou berceuses, ces chansons nous parlent d’amour et de trahison, de révolte, de mélancolie ou de scène de ménage. Les deux chanteurs sont hors normes : la voix solaire et virile de Pino de Vittorio contraste avec la douce sensualité de Marco Beasley.

Transmise oralement depuis plusieurs siècles, la musique populaire du sud de l’Italie a longtemps été confinée au cercle restreint des musicologues. L’ensemble Accordone en est devenu un des meilleurs interprètes, grâce notamment à l’emploi d’instruments du XVIIIème siècle, dont la richesse de timbre permet de donner un éclat inégalable à ce répertoire.

Là-bas, on chante le lézard et la vierge Marie, l’arrivée de l’inondation et la fuite contre l’incendie. On raconte l’histoire des anciens héros, on dit des berceuses, on évoque l’enfant trouvé, des histoires d’amour, une grand-mère en concubinage. On chante à une ou deux voix, en choeur, avec ou sans percussions.

Ce disque est le résultat d’une collecte des musiques que l’on peut encore entendre – mais pour combien de temps ? – dans les tribus kanaks de Nouvelle-Calédonie.

La musique populaire suisse a-t-elle un avenir en dehors du commercial, du culte ou du kitsch ? La réponse à cette question pertinente se trouve dans ce disque. Noldi Alder triture ses racines (il est issu d’une longue lignée de musiciens folkloriques argoviens), et au grand dam des puristes, il crée un style ouvert, vivant, que l’on pourrait qualifier de “musique populaire progressiste”, sans jamais tomber dans des facilités jazzifiantes ou variétisantes. Avec humour et curiosité, il nous prouve que la musique populaire suisse, pour répondre à la question ci-dessus, n’est pas incompatible avec l’esprit d’aventure.

Située aux confins de la Sibérie, aux frontières de la Mongolie, de la Chine et du Kazakhstan, la République de l’Altaï est peu accessible aux voyageurs. Voici l’occasion d’aller y faire un tour, grâce au travail de collecte qui nous est présenté sur ce disque. Le voyage en vaut la peine. Du solo de guimbarde au groupe vocal, du chant diphonique à la flûte ou au luth, et en huit étapes à travers ces paysages peuplés de chevaux totémiques et de loups mystiques, nous parcourons un itinéraire qui va du chamanisme au soviétisme. Les musiciens rencontrés partagent une sincérité qui gomment les différences entre amateurs et professionnels. Un disque magnifique, avec en prime une pochette qui vous fournira tous les renseignements nécessaires (musiciens, instruments, paroles) pour accompagner l’écoute en toute connaissance de cause.

Regarde bien qui tu es
Ne te fie à ta couleur de peau
Tu veux prendre le temps et le remonter
Mais il est dur à bouger le bateau

Kabar est un mot d’origine malgache. Il désigne une sorte de réunion, discussion autour de différents thèmes en rapport avec ce qui se passe dans le village, dans la société. Davy Sicard, créole réunionnais, nous invite à son kabar, pour évoquer un événement douloureux (la mort d’un proche) qui à travers quinze chansons, sera transcendé par un parcours initiatique à travers les sagesses africaine, européenne et indienne, à l’image de cette île partagée entre les cultures.

Auteur compositeur, poète et musicien, ses paroles évoquent l’identité, l’amitié, la mort et le deuil, par la musique emblématique de l’île de la Réunion : le maloya.

Musique du monde, jazz, ethno-jazz, peu importe, Ivo Papasov est un musicien libre. Dans les années 70, il révolutionnait la musique de mariage bulgare en y introduisant les instruments électriques. Grosse polémique entre les traditionnalistes et les modernes, exacerbée par le fait qu’Ivo est aussi tsigane et turcophone. Sur ce disque, il revisite les mélodies populaires de sa jeunesse, comme on se plonge dans un bain de jouvence. Sur des arrangements sophistiqués, à la clarinette ou au saxophone soprano, il convoque les Balkans à un grand bal virtuose et jouisseur.

« Quelqu’un a dit que la poésie était le concentré de la douleur universelle. Que, dans l’art, tout est tragique. Il est des tangos qui n’échappent pas à ce destin. Ce sont les tangos maudits. »

La voix de Daniel Melingo était taillée pour ces poèmes urbains, qui nous parlent du faubourg, du cabaret et de la misère. Rocailleuse et populaire, avec sensibilité mais sans sensiblerie, cette voix hors du commun chante et raille, rit, ricane, engueule et pleure.

Auteur, compositeur, arrangeur et producteur, chanteur, poly-instrumentiste, Melingo a construit un petit bijou bouleversant et extrêmement attachant.

Le dizi est la flûte de bambou la plus populaire en Chine, et Tang Jun Qiao une interprète d’exception. Maître en son art, elle exploite avec subtilité toutes les possibilités de cet instrument aux ressources immenses. Privilégiant sur ce disque les évocations traditionnelles de la nature, nous sommes entraînés dans un voyage merveilleux : frémissements de l’aube, murmures d’une cascade, contemplation d’une orchidée…

Accompagnée par Ying Hao Tong au Yang Qin (cymbalum chinois), Tang Jun Qiao ne craint pas les pièces pour flûte solo (la composition « Le printemps arrive à la rivière Xiang Jiang »), ni l’expression de musiques chinoises contemporaines (« Blue Canopy » du compositeur Yang Qing, accompagné au piano).

Comment il est passé, comment il est changé
Ce temps, cette époque qui a filé comme une ombre,
Mais pour moi, il reste gravé dans ma mémoire…

Ce refrain de la chanson « Kifache rah », Rachid Taha le prend pour lui. Il nous livre ici sa version de chansons populaires du Maghreb. Mais attention : pas de place pour la nostalgie, ces versions sont résolument actuelles, accommodées à la sauce Taha, qui se définit lui-même comme un chanteur de rock français. Excellemment accompagné par des instruments traditionnels, tel la kora, le oud, le qanun, ou encore le gasbar oranais, il s’est adjoint des musiciens de la trempe de Hossam Ramzi, ainsi que de l’Ensemble de Cordes du Caire, pour ne citer qu’eux.

Au final, dix chansons à l’énergie communicative, finement orchestrées, qui reflètent cette culture beur à cheval entre tradition et modernité.

Etablis dans la Haute-Egypte, ces musiciens itinérants incarnent la résistance à la nouvelle variété des ondes égyptiennes. Comme les vieux bardes d’antan, musiciens de village et nomades des fêtes traditionnelles, il parcourent à dos d’âne ou d’avion les espaces et les cultures. Issue d’une transmission orale sans faille, la voix chaleureuse déclame la nuit, l’émerveillement d’un soir étoilé.

Sur une musique débordant d’énergie, les Musiciens du Nil expriment une poésie directe et naïve, où les belles ont des dents de perles, leurs cheveux la noirceur de la nuit, et sur le front de laquelle est inscrit le destin.

« Cette nuit, au marché de l’amour,
Je vais m’acheter une petite mamelouke,
Petit ange plein de délicatesse… »

Parfaitement représentatives des standards du « folklore auvergnat », les chansons interprétées sur ce disque chaleureux se distancient résolument du témoignage historique pour en proposer une vision vivante et infiniment séduisante. S’inspirant du passé, mais regardant vers l’avenir, Bruno Bonhoure réinvente un patrimoine qui tend à disparaître. S’entourant d’un minimum d’instruments, son art se nourrit de ses racines familiales très vivaces (il est né dans le Cantal), mais aussi d’une solide formation en musique ancienne, notamment avec Vincent Dumestre, ainsi que d’un travail vocal ethnologique avec Giovanna Marini.

Légende vivante du la musique de l’Inde du Sud, Lalgudi G Jayaraman est à la fois un virtuose de son instrument, un compositeur reconnu et un maître pour de nombreux jeunes musiciens. Il est entouré sur cet enregistrement de deux violons tenus par son fils et sa fille. Ensemble, ils brodent avec une parfaite entente une musique colorée, chatoyante, sensuelle, soutenus par deux percussionnistes qui donnent une impulsion rythmique chaloupée et entraînante. On pense à des oiseaux qui jouent, à des ruisseaux de montagne, à des danses étourdissantes. Un phénomène étrange se passe alors : le temps n’existe plus, et on se retrouve, à la fin d’une heure de musique, convaincu de la relativité chère à Einstein…

Avec ses mélodies douces portées par la voix grave et caressante de Maria Bethânia, ce disque se veut un geste d’amour, d’amitié et de respect à l’immense poète qu’était Vinicius de Moraes, décédé il y a 25 ans. « Que falta voce me faz » (combien tu me manques) sonne comme un appel à son ami. Vinicius de Moraes fut un des premiers à avoir vu en Maria Bethânia le talent d’une grande chanteuse. La musicienne a puisé dans le répertoire brésilien et a appelé ses compatriotes à la rescousse, créant ainsi le lien entre Antonio Carlos Jobim, Chico Buarque, la pianiste classique Maria Joao Pires, ainsi bien sûr que le frère de Maria, Caetano Veloso.

Sissoko est l’un des meilleurs joueurs de kora de la nouvelle génération. L’instrumentiste est aussi compositeur, et nous propose ici un album pensé comme une trilogie : un premier acte autour de la kora seule, dont la rencontre entre celle de Toumani Diabaté et la sienne, un deuxième avec son trio innovant sur des accords singuliers, et un troisième invitant les voix d’Alboulkadri Barry et de Rokia Traoré ainsi que l’énergie puissante du violon de Fanga Diawara. Sissoko nous conduit vers un Mali grandit par ses cultures.

Assise en tailleur, drapée dans son sari, Sudha Ragunathan inspire et expire avec les dieux. Sa présence, sa concentration, sa connaissance de la musique carnatique (de l’Inde du sud) font miroiter d’emblée un océan de chants dévotionnels et philosophiques qui recouvre une gamme quasi illimitée de combinaisons rythmiques et mélodiques. Sa voix nous séduit immédiatement, et sa technique vocale exceptionnelle soulève une émotion saisissante.

Les immigrants du début du XXème siècle racontent leurs doutes, leurs espoirs, leurs regrets, par la voix de la tradition de leur pays d’origine. Un disque entre le rire et les larmes, touchant.

Figure emblématique de la résistance kurde, Sivan Perwer nous livre un concert hypnotisant. Servi par des textes toujours poétiques, il délivre son message de liberté d’une voix d’une intensité extraordinaire.

Soutenu par la magnifique voix de Fadia Tomb El-Hage, Zad Moultaka revisite la musique traditionnelle libanaise. Envoûtant.

Astor Piazzolla est un artiste à la mode. On nous le refile à toutes les sauces, le plus mauvais goût voisinant souvent avec une médiocrité crasse. Heureusement, voici un disque qui nous réconcilie avec ses interprètes modernes. Julia Migenes chante avec sensualité et une profonde compréhension les tangos de cet argentin de génie. C’est passionné, passionnant, on en redemande.