Sarclo n’a jamais été aussi vieux, 70 au compteur. Et surtout il n’a jamais été aussi bon, même si depuis très longtemps, il a toujours été assez bon, mais nous laissait parfois avec le sentiment prétentieux de l’instituteur qui aime sanctionner par un « peut mieux faire ». Et là, non, Sarclo ne peut pas mieux faire, ne doit pas mieux faire.
Sarclo fait du Sarclo, certes, mais en mode premium. Quatorze chansons qu’il a peaufiné avec son Albert de fils. Ce dernier a écrit la plupart des musiques, a fait tous les arrangements et a pris le temps d’accorder la guitare de Sarclo, celle « qu’un copain lui a prêtée pendant qu’il était mort ». Entre le père et le fils il y a symbiose, c’est un peu magique tout ça.
Bien entendu à la première écoute on est conforté par le côté ado, toujours potache, que ricanent ses chansons, comme le titre Cinquante nuances de gauche. Mais ensuite se dégage une profondeur, une tristesse, car oui, Sarclo évite l’hypocrisie de l’éternel jeunesse : être vieux, pire devenir vieux, côtoyer la maladie, s’approcher de la mort, ce n’est pas de la tarte… On savait pas comment ça faisait de se prendre un camion dans la gueule.
Avec le temps, on peut affirmer sans risque que Sarclo a baclé son œuvre avec un grand soin. Bravo à lui ! Et à notre commentaire enthousiaste sur Messenger, il n’a pas hésité à crâner : « Je t’avais dit que ce disque tuait un bœuf en plein vol ! »

Feu! Chatterton est de retour. On l’avait découvert en 2015 avec un premier album révélation. Leur deuxième album avait tenu ses promesses. Mais avec ce troisième opus, le groupe va marquer l’année 2021 et devrait rester comme une référence dans le monde select des rock band qui chante en français.
La poésie, le rock, la pop, la transe, la danse, l’exubérance sont réunis dans une déferlante que ne renierait pas Catherine Ribeiro. Le meilleur des années 70 se marie avec notre époque.
Les textes percutent notre nouveau monde, celui de l’écran total, des cristaux liquides. Où les cookies que nous acceptons volontairement de manger n’ont plus la saveur de notre ancienne vie… analogique.
Le Palais d’argile, titre de cet album, est décidément bien fragile pour les hommes épris de liberté.
Feu! Chatterton, dans un lyrisme absolu, nous poussent vers la sortie, vers la lumière au bout de ce tunnel. Une sorte de vaccin contre le pouvoir et le contrôle.
Posons l’aiguille !

Terrenoire, c’est un duo fraternel, au sens propre du terme, Raphaël et Théo sont bel et bien frères. Originaires, comme Bernard Lavillers, de Saint-Etienne, Terrenoire est le nom de leur quartier d’enfance.
Les deux stéphanois aiment citer comme influence Bashung et Radiohead. Chanson française donc à influence anglosaxonne certes, mais avec, surtout, un souci commun à ces deux énormes références musicales de ne sonner comme personne :
On est en quête d’un son, d’une esthétique qui nous est propre. Ça nous paraît être ça, la raison d’être d’un artiste, de vouloir dire les choses différemment. On gorge notre musique de soleil et de ténèbres, de textes très intimes, on fait passer tout ça dans nos machines, et “boum”, t’as Terrenoire !
Alors quand le cœur fait Boum ! On peut passer sans complexe de Trenet à Terrenoire.

Arthur H nous a fait attendre 28 ans et écouter neuf albums avant de pouvoir nous offrir “Amour Chien fou”, son plus beau joyau et de loin !
Et comme dans la famille Higelin on ne fait pas les choses à moitié, le fils se dévoile aujourd’hui dans un double disque. Comme une pièce de monnaie. Un côté pile, un côté face : Dr Arthur & Mister H.
Le 1er CD s’intitule Amour, le second Chien fou, 18 titres, 9 chansons intimes et 9 à danser, peut-être, à moins que ce ne soit le contraire ! Un album road movie sur l’amour, les femmes, les hommes, la dualité : “Elle est beau, Il est belle” chante-t-il.
Arthur H n’est pas tout seul à faire merveille, son acolyte, son fidèle partenaire, le musicien-arrangeur Nicolas Repac sublime ses textes, les élève, les noircit aussi, leur donne une profondeur légère.
Oxymore musical…

James Brown, le «parrain de la soul» a purgé six ans de prison pour voies de fait envers un policier et pour violence conjugale.
Wagner était un antisémite notoire et 50 ans après sa mort, il devint le compositeur favori d’Adolf Hitler et du IIIe Reich.
Le légendaire bluesman Leadbelly a écopé de 35 ans de prison en 1918 après avoir tué Will Stafford, un membre de sa famille, à la suite d’une querelle au sujet d’une femme.
Cat Stevens a défendu, en 1989, la fatwa émise contre le romancier Salman Rushdie.
Gesualdo, compositeur de la Renaissance, a commis le double meurtre de sa femme et de son amant.

Bertrand Cantat en 2003…

Et si on écoutait plutôt sa musique !?

Moins taciturne qu’un Benjamin Biollay, plus joyeux qu’un Jean-Louis Murat, voici le premier CD de Marvin Jouno. Voilà pour les références, on peut y ajouter l’amour du pétrissage de mots et une voix qui porte façon Bashung.
Comme un long travelling intérieur, l’auteur-compositeur-interprète, grand amoureux du cinéma, nous invite à voyager dans son univers sonore par les mots choisis à double sens : cinq à sept, cinq ascètes ; ou dans leurs détournements : j’avale des couleurs avec le temps. Une écriture mélodramatique exigeante et un brin amusée.
Cette échappée belle s’écoute sur une musique qui marie l’électro-dance, une fraîcheur pop et aussi un piano intimiste.
Bien dans son époque, Marvin Jouno synthétise à merveille l’éternelle “nouvelle chanson française”.

Après la chanson de Gainsbourg en 1967 et bien sûr l’album de Bashung en 1994, voici à nouveau que le nom Chatterton sonne à nos oreilles. Il est mort le poète anglais Thomas Chatterton nous rappelle le groupe français Feu! Chatterton.
Pour autant, le feu du jeune romantique suicidé brûle encore en 2015. Et inspire une nouvelle poésie rock. C’est celle que nous propose les quatre musiciens autour de son chanteur fulgurant Arthur.
Premier album exceptionnel et captivant. Comme un granit de mots et de notes. Le quintette parisien nous tient en haleine dans un suspense littéraire soutenu par une héroïque énergie musicale. Tout est dansant, extatique. Une alchimie de sons qui prend sa source dans les seventies et les eighties sans jamais perdre de vue le delta musical d’aujourd’hui.

Maudit Chatterton ! Tu n’as pas pris de l’arsenic pour rien le 24 août 1770.

Le dernier album de Jean-Louis Aubert est consacré à la poésie de Michel Houellebecq. L’ancien chanteur du groupe Téléphone a découvert les rimes de Houellebecq par le livre “Configuration du dernier rivage”. Il l’a ouvert n’importe où, a attrapé sa guitare et en a fait des belles et vrais chansons. C’est ainsi que Jean-Louis Aubert a donné des ailes aux mots de Michel Houellebecq.

La magnifique édition CDLIVRE permet de vraiment plonger dans la poésie de Houellebecq, et pas seulement, il y a aussi des photos en noir blanc de nos deux lascars un peu beaucoup ravagé par le temps, certes, mais et surtout, à la fin du volume, est dévoilée une partie de leur relation épistolaire. Ces mails nous montrent une complicité entre les deux hommes, une indicible proximité comme le dit Aubert lors de son premier mail du 15 mai 2013. La lecture de ses échanges nous permet de suivre le “work in progress” du disque que nous avons le plaisir de tenir entre nos mains.

Jean-Louis Aubert, le 27 juin 2013 à 10h38 : Michel, J’ai plus ressenti dès le départ la certitude jubilatoire et la quête haletante que la résilience de l’accostage et la suavité du séjour. Bref, plus la possibilité que l’île… Il faut dire que la rythmique de la poésie est très réussie (comme ailleurs) et entraînante. Je suis presque sûr que tu seras content. Tous ces poèmes s’organisent musicalement avec une fluidité quasi-magique, c’est vraiment un bonheur de converser avec eux. Je t’embrasse.

Michel Houellebecq, le 26 août 2013 à 8h28 : Cher Jean-Louis, Ce qu’il y a, comme depuis le début, c’est que ta voix va. C’est comme certains vers d’Aragon, on ne les imagine plus sans la voix de Ferrat. Je ne m’en plains pas ; Aragon ne s’est pas plaint non plus, d’ailleurs. A part ça je dois être à peu près aussi différent d’Aragon que tu l’es de Jean Ferrat. Je t’embrasse.

5ème opus du chanteur Vincent Delerm. Un enregistrement aussi sublime que court. Sa durée n’est que d’une demi-heure certes, mais c’est une demi-heure qu’on écoute en boucle. Des comptines pour adultes écrites et composées par un Vincent Delerm en pleine maturité et en totale plénitude.
Ces petites métaphysiques de la condition humaine et du temps qui passe sont mises en valeur par une magnifique pochette et un livret qui comprend des photos noir/blanc prises par l’auteur.
13 scénettes, 13 courts métrages animés par cet amoureux du 7ème art. Un album presque “concept” qui a été entièrement réalisé avec trois pianos, dont un préparé pour en sortir des sons inattendus.
Les amoureux éternels se reconnaitront dans cet album au titre parfait « Les amants parallèles ». Et tous les poètes de la vie quotidienne le savent : les parallèles se croisent à l’infini.

Stromae persiste et signe un album qui ne souffre pas la comparaison. “Racine carrée” est bien seul dans sa catégorie, celle qui concilie la techno et la chanson. Et le soupçon de musique africaine ajoutée dans ce deuxième opus accentue sa singularité.
Bien entendu on peut se borner pour son plus grand plaisir à prendre ce disque pour ce qu’il est simplement : un disque de dancefloor. Mais est-ce bien raisonnable de passer à côté de l’interprète exceptionnel ? Car oui Stromae n’a pas la langue dans la poche et nous le fait savoir de la plus remarquable manière.
Comment ne pas penser à la noirceur de Brel en écoutant “Formidable” ou au lyrisme de Nougaro avec “Carmen”. Impossible pour autant de le réduire à ces contrefaçons trompeuses. Si Stromae semble chercher ses pères/pairs – thème de son déjà tube “Papaoutai” – il sait bien que c’est peine perdue et que chacun reconnaitra les siens.
Vilain petit canard pour certains, magnifique cygne pour d’autres !

La chanson “Tropiques” donne le titre à l’album et est au coeur des 10 chansons d’amour écrites et composées par la jeune chanteuse française Maissiat. On comprend rapidement pourquoi, tellement c’est un sommet que l’on a rarement l’occasion d’escalader.
L’ascension est raide, mais le sentier de ce pèlerinage amoureux est superbement balisé. Rendez-vous avec Le Départ, on taille son chemin pour découvrir Trésor. Chargé de son écoute, on se fait surprendre par les animaux dans La Fabrique des Fauves pour arriver au lieu-dit Havre-Caumartin. Et un dernier effort nous offre la récompense du summum Tropiques. Après plusieurs écoutes de ce zénith, on doit se résigner à prendre congé par l’autre face. Une descente en apesanteur.
Ivre de ces altitudes, sans le remarquer, on se retrouve au pied de cette montagne tropicale. Avec une seule idée en tête, celle de la gravir encore et encore. A l’image des dernières paroles du disque “Qu’attends-tu, qu’attends-tu, qu’attends-tu / Pour faire demi-tour ?”

Stephan Eicher, en attendant la relève, murmure douze nouvelles comptines pour adultes. Courtes chansons qui nous invitent à les écouter en boucle, comme des enfants. Des superbes musiques, les mots de Djian et la voix nomade de Eicher nous bercent, nous bouleversent aussi. Qui d’autre que lui arrive à nous faire fredonner en suisse allemand ?
Vingt ans plus tard, la petite entreprise qui ne connaissait pas la crise de Bashung trouve dans ce CD son mélancolique écho avec le très beau texte de Miossec «Je regarde le magasin, je n’ouvrirai sans doute pas demain, tout doit disparaître». Avant cette disparition, une fulgurante « envolée » s’impose !

Cela fait bien trop longtemps qu’Alain Klingler est ignoré, pourtant le parrainage de Barbara, Allain Leprest et Romain Didier dès son premier album en 1996 promettait le tapis rouge; malgré des paroliers invités, tailleurs de mots hors pair, comme Elisa Point et Gérard Poli. Tout juste obtient-il l’estime d’une poignée d’irreductibles qui se réjouissent de son existence et se consolent en le chantant : “Faut-il suivre la loi du plus grand nombre / Pour que la solitude fasse salle comble”.
Pas du tout découragé et sans amertume, Alain Klingler continue son métier de vivre : écrire, composer, chanter. Jouer sur scène piano-voix. Justement. Avec ce cinquième opus qui jette un coup d’oeil en arrière, il revisite ses anciennes chansons, dans leur plus simple appareil, seul au piano et enregistré en prise directe. A cet état des lieux s’ajoute trois inédits et l’interprétation de deux poèmes de Baudelaire et un de Catherine Pozzi.
Treize instantanés, fragiles et uniques. L’occasion rêvée et la plus limpide d’aller à la rencontre de cet artiste qui sait à la fois rester à distance et offrir ses sentiments. Un cousinage avec Milan Kundera qui affirmait “Personne n’est plus insensible que les gens sentimentaux”.
Alain Klingler énonce par le titre qu’il était là avant. Mais à son écoute, il ne fait aucun doute qu’il est là après.

Jamais deux sans trois, nous n’avons pas pu résister…pour la troisième fois consécutive, Camille reçoit notre “coup de coeur”. Impossible de passer à côté d’un CD de cette facture.
Le titre de cet album résume bien son contenu : un propos usé jusqu’à la corde I love you qui par la voix de Camille devient Ilo veyou et s’offre une nouvelle virginité.
15 petites perles (dont plus de la moitié chantée en français) se succèdent, toutes envoûtantes. Camille fait le plus avec le moins, ses chansons-musiques sont dépouillées, peu d’instruments et toutes acoustiques.
Sans aucun artifice et sans jamais chercher la performance, Camille transforme tout en rythme et mélodie.

Tout a été déjà dit, mais comme personne n’écoute il faut sans cesse recommencer, c’est sur le postulat de Gide que Miossec s’appuie pour nous délivrer son 8ème album après 16 ans de labeur ininterrompu.
Notre breton ose l’exercice de style et nous vend ses onze “chansons ordinaires” comme au marché : de la Chanson pour les amis à la Chanson dramatique en passant par, comme de bien entendu, la Chanson protestataire.
Avec une plume corrosive, précise et tenace, Christophe Miossec n’enfonce aucune porte ouverte. Il sort du « je » en virtuose et fuit toute pédanterie au profit d’une musique qui sent l’écurie. Pas question pour notre breton de quitter l’habit de rocker, certes, et pourtant cet opus revendique sans détour son attachement à la grande tradition de la chanson française.
Voici des chansons ordinaires… en extra !

Voici un disque de rock, chanté en français of course.
Sous le nom de groupe Mademoiselle K se réfugie la charismatique chanteuse et musicienne : Katerine Gierak. Ce troisième album nous rappelle les meilleurs moments de Téléphone et des Rita Mitsouko : paroles directes, musique faussement brute qui s’appuie sur la corde sensible, voire raide. Et qui nous plonge dans les méandres du teenager qui sommeille en nous, entre amour, colère, déraison et lucidité : J’ai pris trop de drogues à la menthe / moi la fille la plus décadente / mais si je dis trop de conneries / je veux bien me taire rien que pour te plaire…

Cinq ans après Robots après tout, Katerine nous revient frais comme un gardon, pour un nouvel album chaud bouillant, contemporain en puissance.

Tout seul dans son domaine philosophico-provocateur, il manie le presque rien avec un jusqu’au boutisme déstabilisant. Au point d’écrire une chanson qui ne dit que Bla Bla Bla. Ou mieux encore, plus catégorique, sur le sempiternel conflit israélo-palestinien en psalmodiant juifs arabes ensemble pendant trois minutes, comme un mantra.

Katerine, chanteur engagé ? Oui, on ose l’affirmer, un engagement libertaire loin de la morale bien-pensante. Mais pas seulement, écouter Katerine, c’est aussi s’affranchir du poids intellectuel de la “bonne chanson française”. Car on peut aussi bien l’entendre religieusement chez soi qu’à fond en discothèque; et son improbable naïveté lui permet de heurter toutes les générations. Et ça on adooore !!

Il est loin le temps où Patxi (prononcer Patchi) passait à la Star Academy. Sept ans plus tard, le chanteur basque peut entrer dans la cour des auteurs-compositeurs-interprètes exigeants avec eux-mêmes.

Disciple de Bashung pour l’intention comme le souligne le titre de ce second album Amour carabine (clin d’oeil à Fantaisie militaire), son timbre de voix exceptionnel et d’une fragilité rare nous plonge dans les mots bleus de Christophe. Un disque monochrome, accessible, simple et efficace au premier passage. Et qui, après plusieurs écoutes, se révèle beaucoup moins innocent, bien plus introverti et subtil.

Un mariage absolument heureux entre musique et texte. Une sensibilité exacerbée à la française dans un univers musical anglo-saxon, c’est en grand écart que Patxi nous offre onze chansons au parfum poétique entêtant.

Sacrée Brigitte Fontaine : 70 balais révolus et un “look de libellule” qui provoquent ce monde de prohibition et nous “invite au bal des obscurs”. Son album, indéniablement contemporain, est un véritable pamphlet ! Un cri contre, qui par son NON rejoint dans l’esprit son ni-dieu ni-maître : Léo Ferré. Et comme ce dernier, elle parvient, non sans spiritualité, à nous émouvoir par son intégrité et son talent.
La poète de l’île Saint-Louis a traversé la manche pour trouver le son ambient rock qui lui va comme un gant et donner vie aux musiques écrites par son fidèle compagnon Areski Belkacem. Sur cette galette très épicée, il y a aussi deux duos à savourer, le premier avec Grace Jones et le second, incontournable, avec Katerine, son plus digne héritier.
Avec cet opus, Brigitte Fontaine a fait de son pire, chapeau bas !

Gérard Manset est un artisan de la route, il continue son chemin à son rythme. Tranquille et soutenu : 19 albums en 40 ans ! Côté popularité, il fait partie des chanteurs à une chanson, celle que tout le monde connaît, à savoir “Il voyage en solitaire”. Et pourtant…
Il est toujours possible de rencontrer son oeuvre, la dernière en particulier, ce Manitoba ne répond plus, cet éternel monde perdu à l’image de l’enfance.
Manset est un séducteur de l’ombre, un magicien aux formules énigmatiques. Au fil des écoutes, ses musiques et ses textes si singuliers ensorcellent les âmes consentantes. Les possédés qui l’accompagnent depuis «Animal on est mal» et qui attendent, en écoutant cette excellente cuvée 2008, son 20ème album ne nous contrediront pas.

Elle chante mais ce n’est pas de la chanson.
Elle swingue mais ce n’est pas du jazz.
Elle groove mais ce n’est pas du funk.
Elle vocalise mais ce n’est pas de l’opéra.
Elle crie mais ce n’est pas du rock.
Camille, what else ?

A l’apogée de son art, Francis Cabrel nous peint un tableau humaniste au plus près de nos inquiétudes et de nos désirs.
Un côté piquant et engagé qui aborde l’immigration, la folie, la croyance et le pouvoir politique.
Un côté rose, (mais qui pique aussi), où notre troubadour se dévoile avec la sublime chanson sur l’adoption de sa fille (Mademoiselle l’aventure), se rêve chanteur qui transforme le monde (Des gens formidables) et aime mieux ce monde polychrome où vous, vous êtes et nous, nous sommes des hommes pareils.
Trente ans que Francis Cabrel n’est que lui-même… et c’est incomparable

Les amateurs exclusifs de la sacro-sainte “bonne” chanson française peuvent passer leur chemin.
Une chanson, c’est la rencontre d’un texte et d’une musique. Un univers.
Bienvenus dans celui d’Ina-Ich ! C’est sous ce nom que la chanteuse et musicienne d’origine vietnamienne Kim Tuy décide de se présenter au public.
Un chant féminin singulier, aussi bien doux que hurlé, des sons torturés, un rock-électro limite métal et des mélodies au piano soulignent des textes corrosifs et tranchants. Une amère douceur et une sombre ironie s’écoulent au fil de chansons denses qui parlent de la vacuité de la guerre, de l’existence ratée de celui qui regarde partir les trains sans jamais les prendre, du suicide d’un proche et de la souffrance de ses parents fuyant la guerre.
Ina-Ich en réalisant ce premier album presque toute seule nous emmène en voyage au plus juste des émotions. Un moment pas tout à fait comme les autres, on en ressort différent !
Pas si difficile aujourd’hui de l’imaginer à ses débuts à 9 ans au conservatoire jouant du Chopin… Car comme elle le dit : “Je n’aime que ce qui m’arrache le coeur”.

Ne lui dites pas qu’il ressemble à Renaud, Benoît Dorémus l’a déjà suffisamment entendu « J’écris faux, je chante de la main gauche » et « Deux dans mon égotrip ».
Plutôt qu’une comparaison blafarde, parlons de la relève qui pointe le bout de son nez.
Entre chanson française mélodique, révolte rock et phrasé rap, Benoît Dorémus nous présente son alter ego Benito Adésias confronté à un monde qui se désagrège autour de lui… Une sorte de frangin de misère qui parle d’amour, de jalousie, de désillusion, d’années perdues.
Un monde qui se crée aussi… Et alors son écriture à l’opinel devient tendre comme dans la magnifique chanson « Beaupadre ». Thème très original qui parle subtilement du statut de beau-père. Beaucoup s’y reconnaîtront.
Ou alors réinvente la pose d’un lapin dans le délicieux tragi-comique « Un arracheur de sacs ».
Talentueux et terriblement décapant, Benoît Dorémus lance un pavé dans la mare de la chanson française. Il sera difficile de résister à ce mistral gagnant.

Quand tu me manques, je te mets en musique, humblement. C’est vraiment la seule chose que je puisse apporter sur ta tombe. Léo Ferré

A l’occasion du 150ème anniversaire de la première édition des « Fleurs du mal » et de son procès retentissant, Jean-Louis Murat chante douze poèmes de Charles Baudelaire sur des mélodies inédites de Léo Ferré.
Le chanteur auvergnat se livre à un exercice délicat, exigeant et quasi funambule, celui de se mettre au service du double héritage d’un poète et d’un musicien tout en restant un interprète singulier qui crée.
Ce pari magistralement maîtrisé nous offre un album intense et très inspiré. La voix incomparablement suave et l’excellente diction désabusée de Murat habitent l’univers baudelairien, à la fois somptueux et morbide, métaphysique et sensuel.
Sobrement arrangées, claviers minimalistes, rythmiques méditatives, voix féminine fantomatique, les musiques posthumes de Léo Ferré réussissent à nouveau à mettre la poésie dans toutes les oreilles.
Le dvd qui accompagne le cd présente les versions dans leur plus simple appareil, uniquement accompagné par le pianiste Denis Clavaizolle, dans les conditions cabaret. L’exercice, inédit pour Murat, renforce l’impact du travail d’adaptation effectué sur l’album.
Beaucoup plus qu’une parenthèse dans son parcours, Charles et Léo est un véritable album de Jean-Louis Murat et a, sans doute, déjà gagné ses galons de classique.

Z’avez des bonbons ? Non pas de bonbons
Après onze années passées à chanter les histoires des autres, l’auteur-compositeur-interprète québécois reprend la plume.
Sa belle voix rauque et ses musiques bluesymentales renouent avec une vrai liberté, celle qui donne des ailes parce qu’elle implique le risque et des doutes.
13 chansons douces-amères qui éveillent juste un peu les consciences, dont l’une règle son affaire à Ulysse “Visez la poule mouillée ligotée à son mât” et l’autre fait clin d’œil à Léo Ferré “Sous les chagrins y’a le bonheur qui se repose”.
Fin observateur de la terre et des hommes, il peint par collages une nature vivante et partage ses strates philosophiques.
Entendez-vous le cri de la fourmi
Le cri de l’homme est encore plus petit

Le disque de Daniel Lavoie nous rappelle qu’il y a toujours une voie de service, voire de secours.
Ahhh Docteur Tendresse
Dans ta trousse que des câlins
De la chaleur, presque du bonheur
Et des baumes anti-chagrins

Un doux remède aux petits et grands maux de la vie.

Sa chanson “Repenti” nous le confirme, et le goudron et les plumes de la pochette également, Renan Luce aime endosser des rôles plus grands que lui et sentir le frisson de l’aventure. Usurpateur d’identité pour les besoins narratifs, ses chansons possèdent en revanche une forte personnalité. A écouter “Lacrymal circus” et son bastringue distingué, on reconnaîtra l’empreinte lointaine de Tom Waits, tandis que “I was here” possède quelque chose de Dylan que peu de français avaient réussi avant lui à capturer. Pétri d’empathie pour sa petite comédie humaine, ses personnages possèdent sans doute un peu de son ADN de “Monsieur Marcel”, le fossoyeur narcoleptique jusqu’à l’insomniaque de “Nuit blanche” et se rappellent au bon souvenir de Georges Brassens et de Thomas Fersen. Une écriture saillante, déjà unique, un premier album qui en impose.

Et de trois ! Après Camille et Pauline Croze, voici Ariane Moffatt. Une trilogie parfaite. Trois photos de pochette en femme-buste. Camille nous regarde dans les yeux : confrontation. Pauline esquive d’un regard furtif et curieux. Tandis qu’Ariane, celle qui nous intéresse aujourd’hui, baisse son regard : éloge de la disparition. Ariane Moffat est québécoise, mais n’hurle pas pour autant. Pour ce 2ème CD élevé à Paris (rencontre avec M) et grandi à Montréal, elle écrit des textes simples et subtils, un contenu sobre et mélancolique qui évite les pleurnicheries redoutées. “Le coeur dans la tête” est expérimental, travaillé dans ses arrangements et annonce Ariane Moffatt en tant que musicienne de premier ordre. Chacune de ses chansons se veut une exploration des genres (électro, dub, groove, rock, folk). En définitive Le coeur dans la tête s’écoute d’un trait, allègrement et avec plaisir. « et je souffle sur la braise mon cerveau rougit, puis s’apaise » « ah ! si je pouvais tout tenir entre mes yeux et l’horizon » « le corps n’est plus qu’un autre projectile propulsé depuis matin jusqu’au soir en bus, en train » « je suis prête pour l’expérience la formule est dans la chambre on monte dans notre laboratoire amoureux »

“Robots après tout” est quasiment une œuvre d’art contemporain, provoquant sans cesse la réflexion sur la société humaine. Entre mises en abîmes et galerie de portraits, Katerine joue des personnages, des situations avec un ton sidérant de justesse et de fantaisie sur une musique électronique d’une simplicité enfantine et d’une débordante énergie. Il suffit d’écouter cet emblématique et si jouissif « Cauchemar » autour de Marine Le Pen. Un titre drôle et sinistre, grave et léger, qui invite à plusieurs lectures. A l’image de ce disque en forme d’ovni.

Trenet et Higelin ne font plus qu’un ! Il n’y a plus d’héritage ni d’inventaire. L’ombre de Charles et la lumière de Jacques nous rappellent que “le bonheur est un astre volage qui s’enfuit à l’appel de bien des rendez-vous.” Et si “un rien” les “fait chanter” et que “la folle complainte” n’est que poussière, le bonheur de ce disque fait “boum” dans notre “jardin extraordinaire”.

Loin de la chanson pour trentenaires désabusés, ce premier album d’Orly Chap’ révèle une interprète provocatrice à fleur de peau et une musique révoltée, certes, mais lyrique et maîtrisée. Cette auteur, compositeur et interprète réalise des comptines urbaines sous tension électrique qui n’ont peur ni des mots ni des détournements de sens. Original et racé, deux mots qui conviennent à ce Bouille de lune.

Derrière les yeux candides et espiègles de Pauline Croze se cachent de la rage, de la ferveur et surtout de la passion. Son amertume de vivre est au creux de ses textes. Sans fausse pudeur. C’est du brut, dépouillé ! Les chansons de Pauline sont enveloppées de syncopes africaines, de sensualité brésilienne, de fierté andalouse, de chaloupes jamaïcaines et d’un soupçon de saudade capverdienne…

Bertrand Belin est un crooner de la romance noire, un cow-boy absurde, un chanteur de charme extraterrestre, un guitariste élégant et tranquillement oblique, un amoureux schizophrène, ou en deux mots : un drôle de type. Amoureux de “Porto” qu’il demande en mariage, acculé et suppliant sous « Le colosse », cueillant “La fleur” comme on cueille un cactus pour embrasser son cœur, à la recherche de “La longue danseuse”, aimant dans le désert (“Neptune”) une femme aveugle à ses mots d’amour (“Terminus le tréport”) pour finir sur les vains efforts de la sirène du “Tatouage”. Des histoires, peut être, des rêves sans doute…

Au contraire d’une certaine tradition de la chanson française, l’identité de la chanteuse Camille n’est pas sa voix, mais la qualité et la maîtrise de toutes les multiples voix qu’elle met au service de ses textes et de sa musique. Camille suit sa voie poétique et musicale, celle d’une artiste funambule qui cherche l’horizon « sur un fil ». Incomparable !

Douze nouveaux textes mélancoliques qui voguent sur une tristesse jamais désespérée et toujours assumée. La voix éthérée de Françoise Hardy sublime le temps qui passe. Et inversément ! “Dans le temps qui lie ciel et terre – se cache le plus beau des mystères.”

En résumé, le meilleur de Vincent Delerm et le meilleur de Miossec.

Premier album solo du chanteur de Zebda. Une écriture intelligente et subtile qui parle des racines et de sa place, et ce qui va avec, sur des compositions qui balancent « des deux côtés de la mer », entre musette et musique kabyle, et pas retro pour deux sous.

Avec son premier album, Cali règle ses comptes en chanson : amour, trahison et désir. Les états d’âme d’un chanteur néo-romantique.